LISTA DE CANCIONES ANALIZADAS
(Por orden alfabético)
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martes, 9 de junio de 2015
domingo, 7 de junio de 2015
WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS
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Ficha técnicaAutoría: Harrison(1.00)
Grabación: Versión acústica el 25 de Julio de 1968, en Abbey Road. Volvió a grabarse el 16 de Agosto con recording el 3 de septiembre y nuevamente el 5 de septiembre con otro recording el 6 de septiembre.
Instrumentación: McCartney: bajo, piano, segunda voz; Lennon: guitarra acústica, órgano, segunda voz; Harrison: guitarra acústica, guitarra solista, voz solista(ocasionalmente doblada); Starr: batería, castañuelas, pandereta; Eric Clapton: guitarra solista.
Harrison se sentía inseguro al cantar sobre el escenario. No le gustaba demasiado su voz, no se sentía a gusto en la época Beatles en ese aspecto y por eso evitaba cantar, aunque sí que compuso varias canciones.
Esta es sin duda una de sus joyas de la corona.
Análisis
Música: El efecto de llanto se consigue en los acordes de guitarra de Eric Clapton. Las guitarras lloran dulcemente mientras Harrison expone todo su dolor a través de una voz desgarrada en La menor. Tiene diferentes cambios armónicos típicos del rock.
Letra: Harrison reflexiona abrazado a su guitarra mientras esta llora dulcemente. Es una canción de amor mezclada con nostalgia y algo de decepción. El tiempo ha pasado y él observa a la mujer que amó, ve que el sentimiento sigue ahí dormido, han pasado los años y todo ha cambiado, todos han cambiado. Esto se aprecia en uno de los últimos versos cuando George canta:
"Estoy sentado sin hacer nada excepto envejecer, todavía mi guitarra llora dulcemente"
Comentario
George dijo en una ocasión que empezó a componer esta canción tras leer la frase "While my guitar gently weeps" escrita en un libro.
Tiene esa dulzura y esa templanza que solo podían tener las canciones de Harrison. Potenciando su punto fuerte, y ensalzando sus compases y armonías. Es como si su guitarra se revelase mientras en silencio observa lo que ocurre a su alrededor y entonces de pronto, llora dulcemente.
Tiene esa dulzura y esa templanza que solo podían tener las canciones de Harrison. Potenciando su punto fuerte, y ensalzando sus compases y armonías. Es como si su guitarra se revelase mientras en silencio observa lo que ocurre a su alrededor y entonces de pronto, llora dulcemente.
LET IT BE
Ficha técnica
Autoría: McCartney(1.00)
McCartney contestando a si evoca a su madre en la canción “Sí. En los años 60 lo pasé mal a menudo. Tirados en la cama, nos preguntábamos qué pasaba y nos poníamos paranoicos. Probablemente por tantas drogas. Una noche soñé con mi madre. Murió cuando yo tenía 14 años, así que hacía tiempo que no sabía nada de ella, y estuvo muy bien. Me dio fuerzas”.
Grabación: Se inició el 25 de enero de 1969, en los estudios Apple. La grabación de las versiones del sinle y del álbum se hizo el 31 de enero, con más recordings el 30 de abril, y nuevamente el 4 de enero de 1970, en la última sesión de grabación de los Beatles (Lennon estaba ausente)
Autoría: McCartney(1.00)
McCartney contestando a si evoca a su madre en la canción “Sí. En los años 60 lo pasé mal a menudo. Tirados en la cama, nos preguntábamos qué pasaba y nos poníamos paranoicos. Probablemente por tantas drogas. Una noche soñé con mi madre. Murió cuando yo tenía 14 años, así que hacía tiempo que no sabía nada de ella, y estuvo muy bien. Me dio fuerzas”.
Grabación: Se inició el 25 de enero de 1969, en los estudios Apple. La grabación de las versiones del sinle y del álbum se hizo el 31 de enero, con más recordings el 30 de abril, y nuevamente el 4 de enero de 1970, en la última sesión de grabación de los Beatles (Lennon estaba ausente)
Instrumentación: Versión del single: McCartney: voz solista piano; Lennon: bajo, segunda voz; Harrison: guitarra solista, segunda voz; Starr: batería; Billy Preston: órgano; Producido por George Martin.
Versión del álbum: Igual que la versión del single, salvo que la guitarra de Harrison es una Lesley, que a veces suena como un órgano, y que Preston no toca.
Análisis
Música: Empieza con una breve introducción a piano a la que se suman las voces. Este sencillo arreglo ayuda a que se preste mayor atención a la lírica que al acompañamiento. En la parte del coro se presenta un Accellerando pero aún se cuenta únicamente con la presencia del piano. Posteriormente el ritmo e intensidad de la canción irán en aumento entrado los demás instrumentos –entre los que resalta la batería–. Let It Be cuenta con un breve intermedio musical donde luce mucho el solo de la guitarra y el acompañamiento de los demás instrumentos, el piano que figuraba a un inicio ha desaparecido casi por completo.
Letra: Es una canción sencilla de entender y de escuchar. Expresa positividad e insta a que las personas vean siempre el lado bueno de las cosas, que si algo les preocupa demasiado, sencillamente lo dejen estar. ¡Sin preocupaciones! Es una especia de Hakuna Matata de la vida.
En cuanto a la parte que habla sobre la madre María, mucha gente le da un sentido religioso, pero lo cierto es que se refiere a la madre de McCartney, que él mismo vio en un sueño, años después de haber muerto.
La melodía tiene mucho lirismo. Relaja, es como una canción de iglesia, con todos esos coros y dulces notas de piano.
Comentario
En esta canción veo al Paul de antes, al que quería ser positivo, y gritaba: "We Can Work It Out" Desbordado en los últimos años por todo lo que se les vino encima y su cada vez más tirante relación con sus compañeros, Paul había perdido ese espíritu activo, positivo y entusiasta. Se había echado el peso del grupo sobre los hombros. Con un John que pasaba más tiempo con Yoko que en el estudio o un Harrison inmerso en las drogas y la meditación, y un Starr que pasaba un poco de todo Paul se fue hundiendo poco a poco, anhelando los Beatles que fueron y aferrándose al grupo. Por ello la imagen de "la madre maría" me parece que además de hacer alusión a su madre, que se llamaba Mary, es también un respiro, la aprobación de una figura materna, celestial, que le dijese ¡Eh, tranquilo! Pase lo que pase todo saldrá bien.
Sin duda uno de las más brillantes composiciones de Paul, que aún conservaba esa creatividad innata del disco "Revolver"
Versión del álbum: Igual que la versión del single, salvo que la guitarra de Harrison es una Lesley, que a veces suena como un órgano, y que Preston no toca.
Análisis
Música: Empieza con una breve introducción a piano a la que se suman las voces. Este sencillo arreglo ayuda a que se preste mayor atención a la lírica que al acompañamiento. En la parte del coro se presenta un Accellerando pero aún se cuenta únicamente con la presencia del piano. Posteriormente el ritmo e intensidad de la canción irán en aumento entrado los demás instrumentos –entre los que resalta la batería–. Let It Be cuenta con un breve intermedio musical donde luce mucho el solo de la guitarra y el acompañamiento de los demás instrumentos, el piano que figuraba a un inicio ha desaparecido casi por completo.
Letra: Es una canción sencilla de entender y de escuchar. Expresa positividad e insta a que las personas vean siempre el lado bueno de las cosas, que si algo les preocupa demasiado, sencillamente lo dejen estar. ¡Sin preocupaciones! Es una especia de Hakuna Matata de la vida.
En cuanto a la parte que habla sobre la madre María, mucha gente le da un sentido religioso, pero lo cierto es que se refiere a la madre de McCartney, que él mismo vio en un sueño, años después de haber muerto.
La melodía tiene mucho lirismo. Relaja, es como una canción de iglesia, con todos esos coros y dulces notas de piano.
Comentario
En esta canción veo al Paul de antes, al que quería ser positivo, y gritaba: "We Can Work It Out" Desbordado en los últimos años por todo lo que se les vino encima y su cada vez más tirante relación con sus compañeros, Paul había perdido ese espíritu activo, positivo y entusiasta. Se había echado el peso del grupo sobre los hombros. Con un John que pasaba más tiempo con Yoko que en el estudio o un Harrison inmerso en las drogas y la meditación, y un Starr que pasaba un poco de todo Paul se fue hundiendo poco a poco, anhelando los Beatles que fueron y aferrándose al grupo. Por ello la imagen de "la madre maría" me parece que además de hacer alusión a su madre, que se llamaba Mary, es también un respiro, la aprobación de una figura materna, celestial, que le dijese ¡Eh, tranquilo! Pase lo que pase todo saldrá bien.
Sin duda uno de las más brillantes composiciones de Paul, que aún conservaba esa creatividad innata del disco "Revolver"
GET BACK
Autoría: McCartney(1.00)
Compuesta en el estudio y grabada inmediatamente después.
Grabación: 27(álbum) y 28(single) de enero de 1969, en los estudios Apple, tras ensayarla a principios de enero en los estudios cinematográficos de Twickenham y el 23 de enero en Apple.
Instrumentación: Versión del single: McCartney: bajo, voz solista; Lennon: guitarra solista; Harrison: guitarra rítmica; Starr: batería; Billy Preston: piano eléctrico; Producido por George Martin.
Versión del single: Misma instrumentación que en la versión del sencillo. Producida por George Martin y Phil Spector.
McCartney: “Estábamos sentados en el estudio y la fuimos haciendo como si nada…fuimos escribiendo palabras aquí y allá…Cuando la terminamos, la grabamos en los estudios Apple y la convertimos en una canción para ir tirando".
Análisis
Música: El bajo de Paul dibuja ritmos rockeros dificiles de ignorar. Tira más a lo rockero, a lo duro, la crudeza de los solos de guitarra y los bombos de batería.
Lennon: “Una versión mejorada de Lady Maddona, ya sabes, un remake para ganar dinero…"
Letra: Lennon: "Creo que hay algo ahí que se refiere a Yoko eso de `get back to where you once belonged´siempre que Paul cantaba ese verso en el estudio, miraba a Yoko".
Es un mensaje claro: "Regresa a dónde pertecenes" Es como si realmente Paul se lo cantase a Yoko, ya que desde que esta había aparecido las cosas iban de mal en peor entre los miembros del grupo. Me parece muy curiosa, además, la coincidencia de fonemas que suenan parecido. Así cuando Paul dice "Get Back JoJo" a mi me parece escuchar "Get Back Yoko"
Comentario
La canción empezó con un comentario improvisado sobre la inmigración en el Reino Unido. Existe una versión pirata del tema donde puede entenderse la siguiente letra: "Siddiatawher was a Pakistani living in a another land/Always heard it all around Don´t dig no Pakistanis taking all the people´s jobs…"
Algunas personas han señalado que esta primera versión de “Get Back” es un indicio de que McCartney era racista. El verso clave, que suena a “Always heard it all around”, determinaría si se trata de un sentimiento de McCartney o de un reflejo de las creencias de terceros. Es dificil descifrar este verso en la versión y podrían ser palabras distintas con distinto significado al que aquí se presenta.
Es poco probable que McCartney pretendiera atacar a los paquistaníes con esta letra. La inmigración era un tema candente en Inglaterra en enero de 1969.
Los Beatles no eran racistas, al menos tuvieron dos gestos públicos antirraciales: Sólo accedieron a tocar el 11 de septiembre de 1964 en Jacksonville, Alabama, después de que los promotores acordaran dejar entra a gente de color en el concierto; el 29 de Julio de 1966 se negaron a firmar un contrato para una serie de conciertos en Sudáfrica.
Esta canción es una de las últimas que interpretaron en directo, sobre la azotea de los estudios de Apple. Al final del concierto McCartney da las gracias a la mujer de Ringo por aplaudir tanto, esto quedó grabado.
ACROSS THE UNIVERSE
Autoría: Lennon(1.00)
Lennon: “Estaba acostado al lado de mi primera mujer y estaba irritado. Supongo que ella me había dado la lata con algo, luego se había dormido y yo seguía oyendo sus palabras una y otra vez, como si fueran un río sin fin. Bajé las escaleras y aquello se convirtió en una especie de canción cósmica más que en una canción de cabreo…me sacó de la cama. Yo no quería escribirla, sólo estaba algo irritado y fui abajo, pero no pude volver a la cama hasta que la acabé”
Grabación: 4 de febrero de 1968, en Abbey Road, con recordings el 8 de febrero. Durante la grabación McCartney salió fuera del estudio al encuentro de las fans y escogió a dos para que hiciesen los coros.
Instrumentación: McCartney: piano; Lennon: guitarra acústica, guitarra solista, órgano, voz; Harrison: sitar; Starr: maracas; George Martin: órgano; Músicos de estudio: cuerdas y coro(en recordings); Lizzie Brazo y Gayleen Pease: voces de fondo en falsete.
Lennon. “Esta fue una de mis canciones favoritas, una de mis mejores canciones. No es una de las mejores grabaciones, pero me gusta la letra”
Análisis
Instrumentación: McCartney: piano; Lennon: guitarra acústica, guitarra solista, órgano, voz; Harrison: sitar; Starr: maracas; George Martin: órgano; Músicos de estudio: cuerdas y coro(en recordings); Lizzie Brazo y Gayleen Pease: voces de fondo en falsete.
Lennon. “Esta fue una de mis canciones favoritas, una de mis mejores canciones. No es una de las mejores grabaciones, pero me gusta la letra”
Análisis
Música: Esconde una melodía muy bella. Aunque quizás su ritmo es demasiado pausado, como si la historia sucediera a cámara lenta. Creo que esto predomina en muchas de las canciones de la etapa psicodelia, les encantaba variar tiempos, acelerarlos, distorsionarlos y sobretodo ralentizarlos.
Letra: La letra es una alusión clara a la India. "Nothings gonna changes my world" Es una frase que describe muy bien los pensamientos de Lennon. "Nadie cambiaría nunca su mundo" Aunque como opinión personal diré que estaba muy equivocado, pues según él su mundo se volvió Yoko cuando apareció, dejando atrás todo lo demás(Incluyendo un hijo de 5 años y una esposa con la que llevaba casi 10) Sigo insistiendo en que la personalidad de Lennon era la más débil aunque su carácter fuese fuerte e hiriente.
Letra: La letra es una alusión clara a la India. "Nothings gonna changes my world" Es una frase que describe muy bien los pensamientos de Lennon. "Nadie cambiaría nunca su mundo" Aunque como opinión personal diré que estaba muy equivocado, pues según él su mundo se volvió Yoko cuando apareció, dejando atrás todo lo demás(Incluyendo un hijo de 5 años y una esposa con la que llevaba casi 10) Sigo insistiendo en que la personalidad de Lennon era la más débil aunque su carácter fuese fuerte e hiriente.
ComentarioLa estrofa “Jai Guru Dev… Om”, de la popular canción, esconde una secreta historia que alude a la fascinación de Los Beatles por India y su devoción por el Maharishi.
Muchos viajes de ácido llevaba ya Lennon sobre su espalda.
Después de Im The Walrus Across The Universe se antojaba un tanto infantil y lastimera.
Cuando Lennon escribió esta canción en 1968 ya habían visitado al Maharishi en la India y el mundo de la meditación y lo transcendental le tenían sorbido el seso. Para rematar Yoko ya había aparecido en su vida y su arte vanguardista y su locura no fueron buenas para el carácter tempestuoso de John que necesitaba una figura materna que le pusiese firme y le enseñara el camino, lo que ocurrió fue que la autoridad que Yoko ejercía sobre él fue desbordante, tanto así que Lennon sumó una droga más a su larga lista de adicciones; se llamaba Yoko Ono.
Después de Im The Walrus Across The Universe se antojaba un tanto infantil y lastimera.
Cuando Lennon escribió esta canción en 1968 ya habían visitado al Maharishi en la India y el mundo de la meditación y lo transcendental le tenían sorbido el seso. Para rematar Yoko ya había aparecido en su vida y su arte vanguardista y su locura no fueron buenas para el carácter tempestuoso de John que necesitaba una figura materna que le pusiese firme y le enseñara el camino, lo que ocurrió fue que la autoridad que Yoko ejercía sobre él fue desbordante, tanto así que Lennon sumó una droga más a su larga lista de adicciones; se llamaba Yoko Ono.
HERE COMES THE SUN
Autoría: Harrison(1.00)
Harrison: “La escribí cuando ir a Apple era como ir al colegio, cuando teníamos que hacer de hombres de negocios, firmar cuentas y `firma esto´`firma aquello´. En fin, como en Inglaterra parece que el invierno no acaba nunca, cuando llega la primavera es jauja. Así que un día decidí `hundir´a Apple y me fui a casa de Eric Clapton. Caminaba por su jardín y el alivio de no tener que ver a todos aquellos estúpidos contables era maravilloso. Paseando por el jardín con una de las guitarras acústicas de Eric compuse `Here comes the sun´ "
Grabación: 7 de julio de 1969, en Abbey Road, con recordings los días 8 y 16 de julio y los días 6,11,15 y 19 de agosto.
Instrumentación: McCartney: bajo, segunda voz, palmas; Lennon: guitarra acústica, segunda voz, palmas; Harrison: guitarra acústica, sintetizador Moog, voz solista, palmas; Starr: batería, palmas; Músicos de estudio: cuerdas.
Análisis
Música: Las notas mayores nos aportan buen rollo, armonía, sensibilidad. Es como si el sol realmente acabase de engullir toda la oscuridad. Como ese arcoiris que aparece, muy tímido, tras una gran tormenta.
Letra: "Ya llega el sol, ha sido un largo, frío y solitario invierno" Desde mi punto de vista George se está confesando en esta canción. Está diciendo: "Estoy harto de Los Beatles pero sé que la separación está próxima y que por fin tendré un poco de luz"Se sabe que Harrison era uno de los que más fervientemente anhelaba la separación. Pues se sentía poco valorado como artista y cada vez soportaba menos la imposiciones de su compañero Paul. Los negocios estaban empezando a asfixiarle.
Comentario
Una canción muy agradable, que Harrison compuso en el jardín de Eric Clapton, inmerso en los rayos de sol, evadiéndose de la tierra y de las grabaciones en Apple y las interminables reuniones de negocio.
Me gusta bastante esta canción, es reflexiva y a la vez despreocupada. Una combinación muy buena que recrea un ambiente naif y artístico.
COME TOGETHER
Compuesta después del accidente de coche que Lennon sufrió el 1 de julio de 1969.
Lennon: “Come Together soy yo escribiendo oscuramente de algo relacionado con un viejo tema de Chuck Berry. Dejé el verso `Here comes old flat-top´. No tiene nada que ver con la canción de Chuck Berry, pero me demandaron porque una vez admití su influencia, hace años. Lo hubiera podido cambiar por `Here comes old iron face´, en cualquier caso la canción es ajena a Chuck Berry y a todo bicho viviente”
Lennon fue demandado por haber plagiado la melodía que inicia el tema y los dos primeros versos de la letra de “You Cant`t Catch me” de Chuck Berry.
Grabación: 21 de Julio de 1969, en Abbey Road, cuando John reanudó su actividad normal tal recuperarse del accidente de automóvil. Los recordings se añadieron los días 22,23,25,29 y 30 de julio.
Instrumentación: McCartney: bajo, segunda voz; Lennon: guitarra solista, piano eléctrico, voz solista; Harrison: guitarra solista; Starr: batería, maracas.
McCartney: “Siempre que John nos dirigía un elogio a alguno de nosotros lo recibíamos como algo realmente maravilloso, porque no solía hacerlo. Unas miguitas, unos restos, eran muy de agradecer. Con ´Come Together´por ejemplo, quería que el fraseo del piano fuera muy espeso y cargado. Así lo toqué y le gustó mucho, lo cual me gustó mucho a mí también”
Lennon: “Un tema bastante funky: uno de mis temas favoritos de los Beatles”
Análisis
Música: La música es buena, los ruidos que John hace al comienzo de las estrofas son ingeniosos e impactantes. A Lennon le gustaba jugar con los sonidos vocales, guturales y las respiraciones. Esto se puede apreciar en canciones como "Girl" o "I´m The Walrus" El funky está presente en toda la melodía
Letra: Una letra desorbitada, loca, sin sentido. Otro claro efecto de los efectos que las drogas tenían en Lennon. Es muy curioso escuchar cantar a Lennon "Vamos juntos ahora sobre mí" después de decir que un tío pasota y raro se chuta Coca-Cola. ¿Sería esta también una letra autobiográfica?
Dirige una riada de lenguaje pretencioso y apenas inteligible al mundo poco ilustrado. No tiene sentido, no hay que buscárselo.
Comentario
Una canción pegadiza, en la que se agolpan las estrofas y tiene los tempos muy marcados.
Es un anticipo de lo que iba a ser la carrera en solitario de Lennon. Contracultura y revolución. Y por supuesto, juegos de palabras enrevesados que quedaban muy lejos de su genial "In My Life"
SOMETHING
Autoría: Harrison(1.00)
Harrison: “Something fue compuesta al piano mientras grabábamos el Álbum Blanco. En un descanso, mientras Paul trabajaba con unos recordings, me metí en un estudio vacío y empecé a componer. Y eso es todo, salvo que la parte del medio tardó un pcoo más. No la incluímos en el Blanco porque ya habíamos terminado las grabaciones. Se la di a Joe Cocker un año antes de cantarla yo”
La canción fue inspirada en Patti Harrison. En un clip promocional de esta canción aparecen Patti y las demás parejas de los Beatles.
Grabación: Harrison grabó una maqueta el 25 de Febrero de 1969, en Abbey Road. Los Beatles la grabaron el 16 de Abril. Volvió a grabarse el 2 de mayo, con recordings el 5 de mayo, 11 y 16 de julio y 15 de agosto.
Instrumentación: McCartney: bajo, palmas, voces; Lennon: guitarra solista; Harrison: guitarra solista, órgano, voz(ocasionalmente doblada); Starr: batería, palmas, voces; Músicos de estudio: cuerdas.
Análisis
Música: En Something la guitarra de Harrison vuelve a llorar dulcemente, pero de emoción. Los violines le dan ese toque mágico que te deja pájaros en la cabeza y tranquilidad en el corazón.
Letra: "En alguna parte de su sonrisa ella sabe que no necesito otro amor" Es una letra sencilla y preciosa. Como los poemas de Neruda, cuya belleza reside en su sencillez lírica. En el estribillo, cuando George dice: "Si me preguntas si mi amor crecerá, No lo sé, no lo sé/No te alejes y quizás lo veas, No lo sé, no lo sé" Se aprecia el amor que este siente, que quiere vivir el presente, el carpe diem con la mujer que en ese momento le encanta.
Es sencillo, es claro, no quiere que se aleje porque "Algo en su forma de moverse le atrae como nunca lo había hecho otra amante"Me parece curioso que las composiciones de Harrison no se tuviesen por buenas dentro de Los Beatles. Pues resulta que "While My Guitar Gently Weeps" y "Something" son dos obras maestras de la música del siglo XX. Siendo esta última la segunda más versionada del cuarteto, detrás de Yesterday.
Comentario
Esta fue la única canción de Harrison en editarse como cara A de un single de los Beatles.
Harrison: “Hasta entonces solo se habían dignado a darme un par de caras B, pero era la primera vez que obtenía una cara A. ¡Ya ves!”.
Lennon: “Paul y yo siempre componíamos las dos caras…No porque quisiéramos apartarle, sino, simplemente porque su material no estaba a la altura”
Después de Yesterday, Something es el tema más versionado de los Beatles.
Harrison: “Creo que Someting es una canción muy bonita. Quizá sea la mejor melodía que haya escrito jamás"
Frank Sinatra: “La mejor canción de amor de los últimos 50 años”
Something emociona. Embriaga, te sumerge en un mundo de puro sentimiento en el que solo está la persona amada.
Sublime, esta canción está más allá del tiempo y del espacio. Es verdaderamente muy especial.
HEY JUDE
Autoría:
McCartney(1.00)
Pete Brown, asociado de los Beatles: [Durante la
separación de John y Cynthia Lennon], "Paul fue a Weybridge en su Aston Martin
para visitar a ella y a Julian, Durante el camino hizo una canción para animal
al chaval.
McCartney dijo que canturreaba “Hey Jules” mientras
conducía: “Luego pensé que Jude era mejor nombre. Más country and western”
En la composición de esta canción influyó el tema de
los Drifters “Save The Last Dance For Me”
McCartney y Lennon acabaron de componer la canción en
casa de Paul el 26 de julio de 1968.
McCartney: “Recuerdo que se la puse a John y Yoko y
les decía: `No pondré estas palabras en la versión definitiva´ Un verso era `the movement you need is on your shoulder´ y John dijo: ¡Es estupendo! Y yo
dije: Es absurdo, no tiene ningún sentido y él contestó: Claro que sí, es
estupendo.
Siempre soy así, nunca estoy seguro de si es suficiente bueno".
Lennon: “Paul es un buen letrista que cree que no lo
es, Hey Jude es una letra muy buena, y yo no contribuí a ella. Hay un par de
versos que indican que es un buen letrista, aunque no acabó de redondearla”
Grabación: Ensayada
por los 4 Beatles el lunes 29 de julio de 1968, en Abbey Road. La grabaron la
noche siguiente mientras eran filmados para un programa de música británica. El miércoles descartaron
la versión y volvieron a grabarla en Trident Studios. El jueves, una orquesta
de cuarenta instrumentos permitió mantener notas largas, hacer palmas y cantar
al coro de “La-la-la”. La mezcla final se hizo a primeras horas del viernes y
por la tarde se hicieron los acetatos.
George se puso furioso cuando McCartney le dijo como
debía de tocar. Pues él quería responder a los riffs después de las frases
vocales. Lo habitual era que el autor de la canción dijese como había que hacer
el arreglo.
Instrumentación: McCartney:
bajo, piano, voz solista; Lennon: guitarra acústica, voces; Harrison: guitarra
solista, voces. Starr: batería, pandereta; Orquesta de cuarenta miembros.
Hey Jude es el single más largo de los Beatles.(7.11
de duración) de los cuales cuatro minutos son el fundido.
Este single fue la primera edición de los Beatles bajo el sello de Apple.
Análisis
Música: La canción arranca con una estructura de verso-puente basada en la interpretación vocal y el acompañamiento al piano de McCartney, a los cuales, según progresa la canción, se van añadiendo detalles complementarios que distinguen sus distintas secciones. Después de la cuarta estrofa, cambia a un final o coda que se desarrolla durante más de cuatro minutos, hasta apagarse progresivamente.
Letra: Es Paul tratando de consolar a Julian y a Cynthia. "Hey Jude, no te preocupes" Aunque tal vez si que, en cierta parte, también se estuviese consolando a sí mismo, pues poco a poco veía como su mejor amigo se alejaba de su lado.
Música: La canción arranca con una estructura de verso-puente basada en la interpretación vocal y el acompañamiento al piano de McCartney, a los cuales, según progresa la canción, se van añadiendo detalles complementarios que distinguen sus distintas secciones. Después de la cuarta estrofa, cambia a un final o coda que se desarrolla durante más de cuatro minutos, hasta apagarse progresivamente.
Letra: Es Paul tratando de consolar a Julian y a Cynthia. "Hey Jude, no te preocupes" Aunque tal vez si que, en cierta parte, también se estuviese consolando a sí mismo, pues poco a poco veía como su mejor amigo se alejaba de su lado.
Comentario
Hey Jude es una canción muy tierna y más si se conoce su historia. Paul se sintió muy mal por el abandono de John a su familia para irse con Yoko. John Lennon también fue abandonado por su padre a los 5 años, curiosamente la misma edad que tenía Julian cuando Cynthia y John se separaron. El niño y Paul siempre tuvieron una conexión especial, McCartney le adoraba y en el trayecto hasta su casa, en una visita que les hizo, compuso la canción. "Hey Jules" que finalmente fue "Hey Jude"
Lennon: “Esta es su mejor canción”
“Siempre pensé que era una canción para mí. Si te paras a pensar...Yoko acababa de aparecer en escena. Paul dice “Hey Jude”: “Hey John”. Ya sé que parezco uno de esos fans que interpretan cosas, pero puede oírse que es una canción para mí. Las palabras “go out and get her” subconscientemente querían decir “Venga, hazlo, abandóname” Conscientemente no quería que le abandonara. Su lado bueno decía “Dios te bendiga” A su lado malo no le gustaba nada, porque no quería perder a su socio”
ALL YOU NEED IS LOVE
Autoría: Lennon:(1.00)
McCartney dijo el 22 de julio de 1967 que la canción
fue compuesta en 2 semanas, como mensaje al mundo.
La canción fue compuesta a finales de mayo de 1967
para ser interpretada en directo vía satélite en el espectáculo televisivo Our
World, el 25 de junio.
Grabación: Se
hizo el 14 de junio de 1967, en Olympic Studios, donde se hizo una pista base
de 10 minutos de duración. La canción fue añadida durante una sesión en Abbey
Road, y acortada a 6 minutos. Durante la actuación en Our World, se utilizó la
pista base y Los Beatles cantaron y tocaron en directo sobre ella.
Instrumentación:
Pista base. McCartney: contrabajo tocado con arco; Lennon: clave; Harrison:
violín(la primera vez que lo tocaba); Starr: batería.
Pista en Abbey Road: McCartney: bajo eléctrico;
Lennon: voz; Harrison: guitarra; Starr: batería; George Martin: piano; Músicos
de estudio: dos trompetas, dos trombones, dos saxofones, un acordeón, cuatro
violines y dos violonchelos
Actuaciones en directo en Our World
McCartney: voces; Lennon: voz solista; Harrison:
voces; Una orquesta de estudio; Coro; Mick Jagger, Gary Leeds, Keith Richards,
Marianne Faithfull, Jane Asher, Patti Harrison, Keith Moon y Graham Nash
McCartney cantó un estribillo de “She Loves You” al
fundirse la canción.
El grupo produjo este single más rápido que cualquier
otro.
Harrison: “A john le pasa algo increíble con el ritmo,
siempre sale con signaturas totalmente distintas. Por ejemplo, en “All you need
is love” se salta un tiempo aquí y allá y cambia el ritmo. Pero cuando le
preguntas qué está haciendo, realmente no lo sabe. Le sale de forma natural...”
McCartney, 1967: “Nos habían dicho que todo el mundo
nos vería grabando al mismo tiempo. Así que teníamos un mensaje para el mundo:
amor. Necesitamos más amor en el mundo”
Análisis
Música: El fundido del principio con la marsellesa es genial. Entonada por las trompetas, para dar paso a la base de teclados, guitarra, bajo y batería habituales, a las que se unen la sección de viento y los coros de forma continuada y la de viento principalmente en los estribillos. Junto a la melodía principal al final escuchamos fragmentos de obras de Bach, Glenn Miller, Jeremiah Clarke, o su propio She Loves You en una mezcolanza genial.
Letra: "All you need is love" es un himno al amor y a la libertad. La frase tan contundente "Todo lo que necesitas es amor" lo resume todo. Son los beatles más hippies transmitiendo su mensaje de paz y amor. Ofreciendo una respuesta a los días convulsos de guerra avivados por la Guerra de Vietnam.
Comentario
Martin: “La canción tenía que mantenerse en gran secreto, porque la idea era que los telespectadores vieran realmente a los Beatles trabajando en un nuevo single, aunque, siendo lo que es la Grabación moderna, obviamente no lo podíamos hacer de verdad; así que lo primero fue poner una pista base. Recuerdo que un pequeño problema fue que George se había apropiado de un violín y quería tocarlo, ¡aunque no tuviera ni idea!”
“Escribí una partitura para la canción, un arreglo bastante arbitrario, ya que había poco tiempo...La mezcla que me salió se basó en La Marsellesa(el himno nacional francés), una invección en dos partes de Bach, “Greensleeves” y un pequeño fragmento de “In The Mood”. Entrelacé estos temas con tempos algo distintos para que siguieran siendo entidades distintas”
McCartney: “George Martin siempre tiene algo que ver, aunque algunas veces más que otras. Por ejemplo, escribió el final de All you need is love, y tuvo problemas porque el trozo de In The Mood estaba registrado. Pensamos en fragmentos muy conocidos porque los íbamos a poner de forma aleatoria. Fue una sesión a toda prisa y no nos importó que lo hiciera él, diciéndole: “Aquí tienes el final, queremos que siga sin parar”. De hecho, lo que escribió estaba mucho más desarticulado, así que cuando juntamos los pedazos dijimos: “¿Podemos poner Greensleeves antes de esa cosita de Bach?”. Y antes de eso pusimos el trozo de In The Mood.
George era un hombre muy sabio. A veces trabajaba con nosotros, otras veces contra nosotros; siempre nos ha cuidado. No creo que haga tanto como la gente cree. A veces hace todos los arreglos y nosotros los cambiamos”
“La voz solista de Lennon fue regrabada antes de que la canción se editara como single”
Se trata de una canción muy bonita que tiene un mensaje para el mundo: Haz el amor y no la guerra.
YELLOW SUBMARINE
Ficha técnica
Autoría: McCartney(8) y Lennon(2)
McCartney:
“La compuse en la cama una noche. Como un cuento para niños. Luego pensamos que
estaría bien que la cantara Ringo”
Lennon: “Paul compuso el estribillo pegadizo yo aporté el trozo más
disparatado”
“Yellow
submarine es criatura de Paul, yo ayudé con la letra pero la idea fue de Paul y
el título también”
Grabación: 26 de mayo de 1966 en Abbey
Road, con efectos especiales añadidos el 1 de junio.
Martin:
Solíamos probar distintas cosas, eso siempre era divertida y hacía que la vida
fuera algo más interesante. El caso más notable fue Yellow Submarine, donde se
oyen ruidos de burbujas en recipientes, de cadenas y de ese tipo de cosas. Y
todo eso lo hicimos en el estudio. John trajo uno de esos pequeños micros manuales,
lo conectó a su amplificador y empezó a hablar. Así que todo aquello de “Full
steam ahead” se grabó en directo mientras se grababa la voz solista, y todos
nos reímos.
Geoff
Emerick, ingeniero de Grabación: “Para ciertas cosas, como las voces de fondo de
Yellow Submarine, siempre utilizábamos cabinas de directo.
Instrumentación:
McCartney: guitarra acústica, voces; Lennon: guitarra acústica, voces;
Harrison: pandereta, voces; Starr: batería, voz solista. Músicos de estudio:
sección de metales; Coro en el fundido: Mal Evans, Neil Aspinall, George
Martin, Alf, Geoff Emerick, Patti Harrison y personal de estudio.
Análisis
Música: El solo de trompetas del final es lo mejor de la canción.
Letra: McCartney: "Yo sabía que se relacionatía con drogas, pero realmente era una canción para niños. Me encantaba la idea de que la cantaran niños".
Música: El solo de trompetas del final es lo mejor de la canción.
Letra: McCartney: "Yo sabía que se relacionatía con drogas, pero realmente era una canción para niños. Me encantaba la idea de que la cantaran niños".
Comentario
Starr: "No es más que una canción para niños, sin dobles sentidos. Mucha gente la ha interpretado como una canción de guerra, como que algún día todo el mundo vivirá en submarinos amarillos. No es el caso".
Personalmente es una canción que no me gusta en absoluto. Creo que es de las pocas que me parece insulsa y desabrida. Ni siquiera la veo como una canción para niños. Pero bueno no todo va a ser bueno, la mente brillante y creativa de McCartney también tenía derecho a descansar. Surrealismo puro y duro, colores, texturas, dibujos... me parece lógico que el público creyese que hablaba de drogas, pues muchas veces es dificil diferenciar la delgada línea que separa lo creativo de lo alucinógeno.
Una cosa está clara, yo no iría a vivir al submarino amarillo, no, a mi no me convence.
HELTER SKELTER
Ficha técnica
Autoría: McCartney(1.00)
McCartney:
“Pete Townshend en Melody Maker dijo que los Who habían grabado el rock ´n´
roll más fuerte, más estridente y más sucio que habían hecho nunca. Eso me hizo
pensar: `Vale. Pues hay que hacerlo` Me gusta este tipo de descontrol. Así que
decidimos hacer el tema de rock más fuerte, desagradable y mugriento que
pudiéramos. Eso fue Helter Skelter".
Grabación: La primera versión, grabada
el 18 de julio de 1968, en Abbey Road, duraba aproximadamente veinticinco
minutos. La versión del álbum fue grabada el 9 de septiembre, con recording el
10 de septiembre.
La canción fue grabada en un ocho pistas que EMI acababa de instalar.
La canción fue grabada en un ocho pistas que EMI acababa de instalar.
Brian
Gibson, ingeniero técnico: “La versión del álbum estaba fuera de todo control.
Los Beatles estaban completamente idos aquella noche. Pero, como siempre, se
hacía la vista gorda a lo que hacían en el estudio. Todo el mundo sabía la
sustancias que tomaban, pero en el estudio hacían lo que les daba la gana".
Instrumentación:
McCartney: bajo, guitarra solista, voz solista; Lennon: bajo, guitarra solista,
saxofón, voces; Harrison: guitarra rítmica, voces; Starr: batería; Mal Evans:
trompeta.
Análisis
Música: “Helter Skelter” es una grabación influyente de los Beatles. Además de ser la canción de sonido más agresivo de su repertorio, es la grabación más larga realizada por el grupo completo. Posee notas chirriantes, que te mantienen en tensión.
Letra: “Helter Skelter” es el nombre de un tobogán en espiral que se puede encontrar en los parques británicos. La letra de la canción es una evocación alucinógena de un viaje en tobogán o montaña rusa, en un parque de diversiones. Lo inocuo de la letra contrasta irónicamente con el tono amenazador y estridente de la música.
Música: “Helter Skelter” es una grabación influyente de los Beatles. Además de ser la canción de sonido más agresivo de su repertorio, es la grabación más larga realizada por el grupo completo. Posee notas chirriantes, que te mantienen en tensión.
Letra: “Helter Skelter” es el nombre de un tobogán en espiral que se puede encontrar en los parques británicos. La letra de la canción es una evocación alucinógena de un viaje en tobogán o montaña rusa, en un parque de diversiones. Lo inocuo de la letra contrasta irónicamente con el tono amenazador y estridente de la música.
Comentario
Es una canción dura, muy metal. Dicen que fue la precursora del heavy metal aunque muchos no están de acuerdo. McCartney expresa fuerza y pasión interpretándola. Creo que siempre quiso hacer algo así para alejarse de los grititos de "She Loves You" y adentrarse en algo más duro, más en serio. Y esta claro que con los alaridos de esta canción lo consigue.
Supuestamente el tema fue concebido por McCartney tras leer una crítica a la canción “I Can See for Miles” de los Who. La crítica hablaba del sonido salvaje del tema, así que McCartney, deseoso de explorar todas las vertientes del pop, decidió componer algo que se ajustase a la descripción y superase, si era posible, a los Who en su propio terreno. Se propuso hacer una canción ruda para intentar superar el salvajismo de los Who.
REVOLUTION
Ficha técnica
Autoría: Lennon(1.00)
Lennon la compuso en la India a principios de 1968.
Grabación: ALBUM: Esta fue la primera de las dos versiones que se grabaron. La grabación se inició el 30 de mayo de 1968, en Abbey Road, con recordings el 31 de mayo y el 4 y 21 de junio.
Una de las interpretaciones duraba al menos diez minutos.
Lennon: “Entre los Beatles había una gran tensión. Hice la versión lenta y quería que fuera un single, como declaración de la actitud de los Beatles ante Vietnam y ante la revolución... George y Paul estaban resentidos y dijeron que no era lo bastante rápida”
Single: Lennon decidió grabar una versión rápida y contundente. Se grabó el 10 de Julio, en Abbey Road.
Martin: “La distorsión de la guitarra se hizo deliberadamente porque John quería un sonido muy sucio y no conseguía sacarlo con sus amplis. Lo que hicimos...fue saturar uno de los preamplis”
Instrumentación: Versión del single: McCartney: bajo, órgano; Lennon: guitarra solista, voz; Harrison; guitarra solista; Starr: batería; Nicky Hopkins: piano.
Versión del album: McCartney: bajo, piano, segunda voz; Lennon: guitarra, voz solista y segunda voz; Harrison: guitarra, segunda voz; Starr: batería; Músicos de estudio: acompañamiento de metales.
Análisis
Música: El sonido rock vuelve a aflorar en Revolution. La primera versión era más suave, con instrumentos de viento-metal, armonizada. Esta es más rápida, más salvaje, con la guitarra de Harrison dando alaridos. La guitarra inicial de Lennon es como un truena y la batería de Ringo espléndida. Un rock simple con progresión de acordes.
Letra: Habla de la revolución, del tiempo de cambio. Todos queremos cambiar el mundo, es bonito, pero hay que hacer algo. Cada uno puede hacer su pequeña y particular revolución. Es una respuesta al panorama político imperante a finales de los años 60. Es un no al control político y a la Guerra de Vietnam. Inspirada en los disturbios de mayo del 68.
Comentario
Pete Shotton: “Paul no ocultaba su desagrado ante unas cuantas composiciones de John más salidas, especialmente “Revolution” y “Revolution 9”. Sin embargo, en aquel momento, Revolution, significaba más para John que cualquier canción que hubiera escrito en años. A parte de marcar su vuelta al rock and roll descarnado y de alto voltaje que siempre fue su primer amor musical, Revolution fue la primera canción de los Beatles que contenía una declaración política explícita. Y eso fue precisamente lo que tenía a Paul tan circunspecto; apolítico hasta la médula, hubiese preferido mil veces que los Beatles no entraran en temas tan fuertes.
James Taylor, cantante y compositor: "Para mí y mi generación, esta canción—cuya creación por John presencié en los estudios de Abbey Road—era una declaración honesta sobre el cambio social, que le salió realmente de dentro y reveló lo que él sentía….Era la verdad, pero ahora va de zapatillas deportivas”
Jonh Fogerty, cantante y compositor: “Yo fui una de esas personas que reaccionó violentamente la primera vez que vi el anuncio de Nike. Estaba en la habitación de un hotel, y me subía por las paredes. Estaba cabreadísimo. Maldita sea, aquello me volvió loco, porque cuando John Lennon la compuso no lo hacía por dinero. Y utilizarlo para algo comercial…eso me puso de mala leche”.
Es una gran canción, aunque algo comercial, quizá por eso se escogiese para promocionar zapatillas. Aunque el mensaje en sí mismo no lo sea la melodía sí que lo es.
Autoría: Lennon(1.00)
Lennon la compuso en la India a principios de 1968.
Grabación: ALBUM: Esta fue la primera de las dos versiones que se grabaron. La grabación se inició el 30 de mayo de 1968, en Abbey Road, con recordings el 31 de mayo y el 4 y 21 de junio.
Una de las interpretaciones duraba al menos diez minutos.
Lennon: “Entre los Beatles había una gran tensión. Hice la versión lenta y quería que fuera un single, como declaración de la actitud de los Beatles ante Vietnam y ante la revolución... George y Paul estaban resentidos y dijeron que no era lo bastante rápida”
Single: Lennon decidió grabar una versión rápida y contundente. Se grabó el 10 de Julio, en Abbey Road.
Martin: “La distorsión de la guitarra se hizo deliberadamente porque John quería un sonido muy sucio y no conseguía sacarlo con sus amplis. Lo que hicimos...fue saturar uno de los preamplis”
Instrumentación: Versión del single: McCartney: bajo, órgano; Lennon: guitarra solista, voz; Harrison; guitarra solista; Starr: batería; Nicky Hopkins: piano.
Versión del album: McCartney: bajo, piano, segunda voz; Lennon: guitarra, voz solista y segunda voz; Harrison: guitarra, segunda voz; Starr: batería; Músicos de estudio: acompañamiento de metales.
Análisis
Música: El sonido rock vuelve a aflorar en Revolution. La primera versión era más suave, con instrumentos de viento-metal, armonizada. Esta es más rápida, más salvaje, con la guitarra de Harrison dando alaridos. La guitarra inicial de Lennon es como un truena y la batería de Ringo espléndida. Un rock simple con progresión de acordes.
Letra: Habla de la revolución, del tiempo de cambio. Todos queremos cambiar el mundo, es bonito, pero hay que hacer algo. Cada uno puede hacer su pequeña y particular revolución. Es una respuesta al panorama político imperante a finales de los años 60. Es un no al control político y a la Guerra de Vietnam. Inspirada en los disturbios de mayo del 68.
Comentario
Pete Shotton: “Paul no ocultaba su desagrado ante unas cuantas composiciones de John más salidas, especialmente “Revolution” y “Revolution 9”. Sin embargo, en aquel momento, Revolution, significaba más para John que cualquier canción que hubiera escrito en años. A parte de marcar su vuelta al rock and roll descarnado y de alto voltaje que siempre fue su primer amor musical, Revolution fue la primera canción de los Beatles que contenía una declaración política explícita. Y eso fue precisamente lo que tenía a Paul tan circunspecto; apolítico hasta la médula, hubiese preferido mil veces que los Beatles no entraran en temas tan fuertes.
James Taylor, cantante y compositor: "Para mí y mi generación, esta canción—cuya creación por John presencié en los estudios de Abbey Road—era una declaración honesta sobre el cambio social, que le salió realmente de dentro y reveló lo que él sentía….Era la verdad, pero ahora va de zapatillas deportivas”
Jonh Fogerty, cantante y compositor: “Yo fui una de esas personas que reaccionó violentamente la primera vez que vi el anuncio de Nike. Estaba en la habitación de un hotel, y me subía por las paredes. Estaba cabreadísimo. Maldita sea, aquello me volvió loco, porque cuando John Lennon la compuso no lo hacía por dinero. Y utilizarlo para algo comercial…eso me puso de mala leche”.
Es una gran canción, aunque algo comercial, quizá por eso se escogiese para promocionar zapatillas. Aunque el mensaje en sí mismo no lo sea la melodía sí que lo es.
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